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 NO ESTACIONAR

NO PARKING

DAVID EARDLEY

JOHN FORSE

CALHAN HALE

SARAH LEHNERER

PAMELA MASIK

Como una planta que ha sido trasplantada a otra tierra, cada uno de los residentes en Casa Lü desarrolló sus obras de arte con la intención de volver a echar raíces en un nuevo espacio. "No Parking" es una muestra colectiva del proceso de reconocimiento con un nuevo conjunto de símbolos y signos y a través de su propio proceso creativo y el uso de materiales cada uno de los artistas desarrolla una correspondencia y un diálogo con su nuevo entorno en la Ciudad de México.

 

 

DAVID EARDLEY

 

¿Qué significa construir conscientemente la propia identidad? En la serie Self-Construction el artista explora la relación entre el acto físico de la construcción y el acto no físico simultáneo de la autoconstrucción a través de una serie de sillas escultóricas construidas a partir de una cantidad de unidades individuales y artefactos digitales en el periodo de creación. Como reacción a la función y a los estímulos externos, el artista ha construido cuatro esculturas separadas a partir de un grupo de unidades individuales -ladrillos de madera- dirigidas y redirigidas hacia diversas formas, pero conservando los mismos bloques de construcción originales. En este caso, la silla se convierte en el cuerpo humano, transmutado en la forma familiar de una silla, construida con los patrones de la albañilería que sirven como sustitutos de las iteraciones de la mente. 

 

Los artefactos del yo - autorretratos, momentos significativos, procesos de construcción y poesía - se presentan como puentes entre el yo y el mundo físico. A través de esta obra, el artista medita sobre las decisiones que ha tomado en la construcción de su propio yo a lo largo de un año tumultuoso y las formas en que esa construcción podría vivir y cambiar en un futuro.

 

 

JOHN FORSE

 

Soy un consumidor. Un elemento recurrente en mi existencia cotidiana en la Ciudad de México ha sido la siempre presente NOM-051 (Norma Oficial Mexicana-051), una medida que introdujo a el actual elenco de sellos de orientación nutricional: uno para el exceso de sodio, otro para los azúcares y otro para las grasas. Estos sellos forman parte de un conjunto más amplio de regulaciones que dictan el diseño de los envases de los alimentos con la intención de educar a los consumidores y reducir las prácticas de comercialización engañosas. Sin embargo, los sellos no son sólo diseños, también son anti-diseños. Son intencionadamente molestos y poco apetecibles, impidiendo que se pueda disfrutar de lo que hay debajo. Son herramientas didácticas extremadamente poderosas con posibles efectos muy profundos en nuestra vida cotidiana.

    

“Las palabras nunca son "sólo palabras"; importan porque definen los contornos de lo que podemos hacer.”

- Slavoj Žižek 

 

En este trabajo me pregunto: "¿Cómo interactuamos con la imagen y el lenguaje a diario? ¿Cómo funcionan juntos para definir nuestra existencia diaria? ¿Qué conocimientos pueden obtenerse de su alteración?". La obra presentada se desarrolló digitalmente y posteriormente se materializó en vinilo cortado. Se eligió este material por su carácter de aplicación, ya que es un revestimiento industrializado y fácilmente reproducible que me permite intervenir en  las superficies ya existentes.

 

 

CALHAN HALE

 

¿Cómo podemos cuestionar el valor condicionado que constantemente le otorgamos a la permanencia, a la longevidad y a la perfección, así como nuestra concepción binaria de que la presencia de una cosa equivale a la ausencia de otra? En esta serie de cuadros, la artista yuxtapone relaciones encontradas e inventadas en el espacio compartido de un cuadro, ilustrando esta coexistencia y tensión entre elementos e ideas contrastantes en nuestros mundos físico y emocional. El artista recurre a imágenes de plantas, sombras, hormigón, aceras y autopistas para explorar la relación entre lo hecho por el hombre, lo natural, la representación, la imperfección, el ego, la intención de la existencia y los intentos de permanencia y control.

 

La elección de los materiales pretende transmitir la inevitable "imperfección" que acompaña a la traducción misma y la memoria, lo que permite renunciar al control sobre el resultado dentro de estos espacios. Además, las imágenes pintadas de forma suelta o exagerada existen dentro de las viñetas gráficas, que sugieren que el contexto continúa más allá de cualquier marco o momento dado, lo que aumenta las limitaciones del espacio en cuestión. La pintura en spray, un elemento más industrial que implica planes de cambio, expansión o alteración, contrasta con la superficie natural y táctil del lino crudo para mostrar aún más la interacción entre lo hecho por el hombre y lo natural. A través de la exploración de estas tensiones, el artista reconoce la interacción e interferencia siempre presente de la naturaleza con los intentos de permanencia del ser humano, así como la naturaleza paradójica de nuestra realidad.

 

 

SARAH LEHNERER

 

Aquello que impulsó esta serie de tableros de juego para esta exposición se produjo hace más de un año. Fue en ese momento cuando diseñe un tablero de ajedrez para un amigo hecho de cerámica, mientras dibujaba las estructuras me olvidé de una de las filas de casillas, el tablero de ajedrez se volvió así injugable: Un mero adorno, un cuadro, o una ocasión para replantearse las reglas del juego. Cada una de las obras que se muestran en esta exposición fue creada siguiendo la línea de si, las fallas en la simetría de un patrón podían producir nuevos juegos, nuevas reglas o una forma especial de pensar y comportarse. O, al revés, cómo el comportamiento desarrolla sus propios patrones y los hace visibles. El proceso de llegar a un nuevo lugar -orientarse, aprender a leer las señales, tartamudear, deletrear, andar a tientas- se ha convertido inevitablemente en parte de esta cuestión. Los recortes de “House of tits or dicks or nothing at all” son todos positivos y negativos de la misma superficie, pero el intento de reunirlos en un rompecabezas fracasa inevitablemente, porque el proceso de materialización provocó las pérdidas de su simetría: faltan partes, están restregadas o retorcidas. Las formas se vuelven peculiares, individuales, y el espacio negativo entre los encajes se convierte en un ornamento en sí mismo. El texto "Luciérnagas en la oscuridad. ``Cartas sobre ambigüedades" es un breve extracto del proyecto del mismo nombre, que llevó a cabo junto con Jackie Grassmann en forma de blog/intercambio de cartas desde el año 2020. El extracto de cartas impreso aquí cubre el período de mi estancia en la Ciudad de México, El proyecto tendrá continuidad y está previsto que se publique en papel el próximo año. 

https://cashmereradio.com/episode/portals-jackie-grassmann-sarah-lehnerer-fireflies-in-the-dark-a-reading-on-ambiguities/.

Todas las obras que se muestran en esta exposición son más bocetos que productos: la arcilla está cruda, sin cocer y pintada toscamente, las letras traducidas rudimentariamente, el proceso de búsqueda de la forma a tientas y en busca, nada es fijo y sin embargo hay algo establecido.

 

 

PAMELA MASIK

 

Mi propósito de estar en Casa Lu era comenzar un viaje de dejar ir lo que estaba tan familiarizado con después de 20 años profesionalmente y aprender nuevos procesos y materiales que son no tóxicos y sostenibles. Uno de los pigmentos naturales ha sido explorado es el del escarabajo cochinilla con una pintura en particular, también utilicé otros elementos de la naturaleza para ayudarme. Pasé horas y horas capa tras capa, curando cada una con el sol, cogiendo espátulas metálicas para marcar, raspar y manipular la superficie. Llegaron las tormentas y se llevaron parte del cuadro como si fuera la edición de la naturaleza. Luego continué en mi proceso algo que sucedió donde, por costumbre, alcancé la pintura en aerosol, perdiendo completamente de vista mis intenciones. Tras darme cuenta de lo que había hecho, lo limpié todo y entonces el último elemento que utilizaría fue el fuego. Prendí fuego a la pintura y dejé que se redujera a cenizas, recogí las cenizas y las puse en una urna. Con parte de las cenizas empecé a crear otra y con la piel del cuadro también la quemé.

En la cultura azteca la piel del sacrificado, sería cubierta por una deidad y para ello, tuve otra idea. Primero elegí crear un altar, ya que la muerte del cuadro tenía un significado, pero en lugar de una deidad, haría nacer un nuevo cuadro con la propia piel y las cenizas.

 

Porque lo que ocupa el espacio "sin aparcar" es también temporal en sí mismo. Morimos mil veces para convertirnos en la persona que somos ahora. Nada es permanente.

 

Los recuerdos pasados, nunca enfocados lo son,

Porque el tiempo y la perspectiva construyen

Otra historia para adaptarse a su piel.

 

¿Qué historia te pones?